Camille se définit elle-même comme une artiste onirique, attirée par les univers colorés et déroutants. 

Sa pratique englobe aussi bien la photographie que l’assemblage de matériaux organiques, avec un point de départ original : le masque. “Je commence souvent par confectionner un masque.” 

Camille Kouassi ne s’intéresse pas seulement à l’image, elle crée des objets qui deviennent des acteurs à part entière de ses œuvres. Dans un processus qui frôle la performance, chaque masque est pensé, fabriqué, et ensuite mis en scène à travers une photographie soigneusement construite. Ces masques, faits de papier ou de grillage à poules, prennent vie dans des compositions étonnantes où le spectateur est à la fois observateur et observé. L’œuvre finale ne se contente pas de raconter une histoire, elle invite à la vivre, à la ressentir. Cette création de masques devient pour elle un rituel, un moyen d’explorer des facettes cachées de son univers intérieur, tout en construisant une narration où chaque photographie est une scène, un acte, un instant suspendu. Le masque, au-delà de son apparence, devient un symbole d’identité, de mystère et de jeu. Il permet à Camille d’interroger les frontières entre la réalité et l’imaginaire, entre l’humain et ses multiples facettes, un peu à la manière des travaux de Cindy Sherman. 

Si une chose frappe immédiatement dans le travail de Camille, c’est l’utilisation de la couleur. “Mon univers est très coloré. J’essaie de ne pas me mettre de limites.” Pour elle, la couleur est une invitation à l’audace, à l’exploration sans frontières. Ses œuvres dégagent une énergie vibrante, où chaque teinte semble avoir été choisie pour provoquer une émotion particulière. Le jaune, le rouge, le rose, le vert, toutes ces couleurs dialoguent, se heurtent et s’harmonisent pour créer un univers aussi joyeux qu’étrange. Cet usage des couleurs participe à l’expérience onirique qu’elle souhaite créer. Ses œuvres sont à la fois un rêve éveillé et une introspection visuelle, une porte ouverte sur un monde à la frontière du réel et du fantastique. On y retrouve des visages cachés, des fleurs, des symboles organiques qui rappellent l’importance du vivant, du sensoriel. Ses créations questionnent sans cesse notre rapport à l’intime et à l’étrangeté, tout en invitant le spectateur à se perdre dans ses propres pensées. 

L’introspection et la contemplation au cœur de son art “J’aime me connecter à la part émotionnelle chez les gens.” Pour Camille, l’art n’est pas seulement une forme d’expression, c’est un moyen de dialogue avec l’autre. Ce qu’elle cherche à transmettre à travers son travail, c’est une réflexion profonde, une pause dans le rythme effréné du quotidien. Ses œuvres invitent à une véritable introspection, une plongée dans des émotions complexes que chacun peut réinterpréter à sa manière. Dans ses photographies, le temps semble suspendu. Le regard du spectateur est invité à s’attarder, à contempler chaque détail, chaque matière, chaque couleur. Son travail est une ode à la lenteur, à la contemplation d’un monde où l’intangible et le palpable s’entrelacent. Elle explore l’émotion, la beauté fragile et souvent cachée des choses, et nous montre que derrière chaque image se cache une histoire, un vécu, une émotion à découvrir. 

Les inspirations de l'artiste sont multiples et puissantes. Parmi elles, Ana Mendieta, Cindy Sherman et Rebecca Horn ressortent comme des figures marquantes de son parcours artistique. Ces artistes, qui ont toutes exploré des thématiques liées à l’identité, au corps et à la nature, résonnent profondément avec le travail de Camille. Ana Mendieta, avec ses œuvres qui mêlent le corps à la nature, où l’organique se fait support d’expression, a fortement influencé l'artiste dans son rapport à la matière. Chez elle, le vivant est omniprésent, qu’il s’agisse des fleurs, des plantes, ou des symboles organiques qui peuplent ses œuvres. Cindy Sherman quant à elle, est une source d’inspiration pour son usage du masque et du déguisement, et pour la manière dont elle interroge les représentations de soi. Tout comme Sherman, Camille joue avec les identités, les visages, et les rôles que chacun peut endosser. Enfin, Rebecca Horn, par son approche poétique et performative, a également influencé l’art de Camille. Tout comme Horn, elle aime créer des œuvres qui touchent à l’intime, qui explorent le corps et ses transformations. 

Pour Camille, l’art est avant tout un moyen de “reconnecter au sensoriel, à l’émotionnel.” Elle croit profondément au pouvoir de l’art pour ouvrir des dialogues, pour poser des questions plutôt que d’apporter des réponses. Dans un monde où tout va trop vite, elle souhaite que ses œuvres agissent comme des moments de pause, des instants où le spectateur peut se reconnecter à ses sensations, à ses émotions, et à son environnement. Elle voit l’art contemporain comme une “mise en forme d’un univers mental et sensoriel singulier”, un espace où chacun peut projeter ses propres réflexions, ses propres questionnements. C’est dans cette interaction entre l’œuvre et le spectateur que Camille trouve sa mission d’artiste. 

L’avenir de Camille Kouassi s’annonce riche de projets et de nouvelles perspectives. Son plus grand désir ? Exposer davantage son travail et permettre à un plus grand nombre de plonger dans son univers. Elle imagine ses œuvres dans des espaces lumineux, conviviaux, des lieux où l’échange et la rencontre sont au cœur de l’expérience artistique. “Un lieu lumineux et convivial”, voilà ce qu’elle recherche pour exposer ses créations. Un espace qui reflète l’aura de ses œuvres : accueillant, chaleureux, et ouvert à la contemplation. Camille Kouassi n’est pas simplement une artiste ; elle est une conteuse d’émotions, une exploratrice des frontières de l’imaginaire.

 À travers ses œuvres, elle nous invite à ralentir, à ressentir, à questionner. Son univers, riche en couleurs, en textures, et en symboles, nous offre une vision unique de l’art contemporain, où l’étrange devient beau et où l’émotion prime sur la raison.